要说在南半球搞文化艺术，文化之都墨尔本算是个领跑者。还记得上一次维多利亚国家美术馆（National Gallery of Victoria, 简称NGV）举办的那场别出心裁的NGV Triennial当代艺术设计展吗？
在艺术上永不消停的它，这一次联合纽约现代艺术博物馆（The Museum of Modern Art, New York, 简称MoMA）打造了一场冬季（你们的夏季）艺术大秀——“MoMA在NGV：现当代艺术130年”（MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary）
首先，这是一些你觉得枯燥却需要知道的背景
#200逾件展品 #8个主题 #艺术趋势
这次展览中的所有艺术作品均来自MoMA。大展遵循时间线分为8个主题，展示从19世纪后期城市与工业转型到数字化与全球化现状下艺术创作的潮流。
8个主题分别为：
§ 世外桃源与大都会
§ 现代世界的机器
§ 新融合
§ 内部与外部的世界
§ 作为行为的艺术
§ 就是这样
§ 浩瀚的百科全书
§ 飞翔的图案
展览的初衷并不是讲述现当代艺术的发展故事这么简单，而是向大众勾勒出了一幅‘艺术的多种趋势’的彩色画像。
同样，相比于按部就班地介绍各个主题（中规中矩的事儿，我们不做），我们更想和大伙儿聊聊创作这件事儿，得自嗨，得主观。
魅力不分新旧
#19th-20th #工业改革 #都市题材 #野兽派 #梵高
蝴蝶鲜花，街头酒吧。艺术家们用大胆的颜色和光线描绘着从19世纪到20世纪过渡中的工业新时期。有人说，城市新魅力和自然旧魅力创造了这个时期的艺术作品魅力。没错，作品、城市，自然，皆魅力；但魅力可不分新旧。
一块“芝士”：野兽派画家
一个代表：梵高 （荷兰，1853-1890）
1905年10月在法国巴黎举办的秋季沙龙上，一位评论家形容展厅中心的雕塑被一群‘野兽’（指：画作）包围了，从此‘野兽派’一词流行开来。野兽派以‘重色’闻名。绘画的色彩明亮、厚重且奔放，对物体的形状或轮廓不那么斤斤计较。
Portrait of Joseph Roulin (1889) ©张大陆
1888年，梵高从巴黎搬到法国南部阿尔勒镇，不久他为朋友Roulin（邮政员，也是梵高为数不多的亲密朋友之一）创作了这幅肖像画。梵高经常使用绿色和蓝色来表达他的心情。
“如果现在可以画出你的心情，你会用什么颜色？”
‘过去’是‘未来’最大的敌人
#20th初 #新技术 #立体主义 #毕加索
汽车飞机更新了旅行；无线电重塑了交流；电子照明除掉了昼夜壁垒。新技术改变了生活方式，改变了时间空间，于是艺术家们也跃跃欲试起来。
一块“芝士”：立体主义
一个代表：毕加索（西班牙，1881–1973）
三维实体怎么浓缩在二维画布上？这就是立体主义的精髓：一个作品，同个场景，不同视觉体验。虽然画作被批评“打破了透视的传统”，但那又怎样？他们“早就对传统视角非常不满了”。
The architect’s table (1912) ©网络
毕加索这幅《建筑师的桌子》妙在先水平构图，后垂直旋转画布，营造多重方向感。
“你看的出来这里有纸片、标尺、玻璃和名片吗？”（反正我没看出来）
你们艺术家也玩哲学啊
#20th20s-30s #乌托邦艺术 #荷兰风格派 #蒙德里安
20世纪20到30年代，一股‘乌托邦’艺术风流行起来。要什么装饰元素和具象表达，简单和谐才是第一要义。
一块“芝士”：荷兰风格派
一个代表：蒙德里安（荷兰，1872-1944）
追求万事万物的平衡，追求和谐，追求纯粹…怎么越听越像哲学课。这些正是荷兰风格派口中的形式美。简单说，作品常用垂直水平线，长正方形格子组成，颜色也多以黑白或原色为主。（不能再多了）
Composition in red, blue, and yellow (1937–42) ©张大陆
蒙德里安坚信美学上的纯粹既表达了艺术本身，也是人类思维的体现。这幅作品是蒙德里安第一次让彩色矩形与白色空间相邻。
“听说这些看似很简单的抽象画，实际上很难临摹，要不试试？”
“我和疯子之间唯一的区别是，我没有疯”
#巴黎 #超现实主义 #幻想 #达利
与荷兰风格派完全不同的是，同时期在巴黎的许多艺术家从抽象的束缚中抽离出来。极度兴奋的创作富有想象力的、融汇内心（梦想）和外部世界（现实）的艺术作品。
一块“芝士”：超现实主义
一个代表：达利（西班牙，1904-1989）
什么是超现实？你可以认为是梦想+现实的组合。超现实主义者们从自然界获取灵感，不可思议的主观想象+近乎偏执的细腻创作是他们的特有公式。
The persistence of memory (1931) ©张大陆
这张被达利自称为‘手绘梦幻照片’是超现实主义最具代表的画作之一，在达利的画里，梦想穿上了现实的外套。
“你还记得自己的梦想吗？”
老板，来幅动作画
#20th50s #行为动作 #纽约学派 #滴画法 #波洛克
“艺术品是艺术家动作的创作”，这话用在20世纪50年代的美国艺术上再合适不过了。艺术制作是艺术家能量与力量的记录。
一块“芝士”：纽约学派
一个代表：波洛克 （美国，1912-1956）
如果说超现实主义是追求极致的精细，那么纽约学派就是‘甩’出来的艺术。直接把棍子或画笔放进颜料罐，然后把颜料甩或滴在画布上。这哪还是什么画布，这成了艺术家的行为舞台。
Number 7, 1950 (1950) ©网络
画画用甩的，听起来有点荒唐可笑？不过这就是波洛克的方式，他创作画面，他就是画面。
“艺术要怎样实现呢？”（没有什么一成不变，就用你的方式实现）
普通的东西，贵在平凡
#20th60s-70s #大众文化 #波普艺术 #安迪沃霍尔
二战结束后的时代是和平的回归，也是繁荣的回归。漫画、野餐桌、名人、可乐瓶，以前遥不可及的现在都可触手可及了。
一块“芝士”：波普艺术
一个代表：安迪沃霍尔（美国，1928-1987）
波普-Pop-就是流行的意思。一群专注于流行/大众文化的艺术家碰巧喜欢普通的东西，于是试图展现这些东西的平凡。
Marilyn Monroe (1967) ©张大陆
《玛丽莲·梦露》沿用沃霍尔惯用的丝网印刷艺术，将照片重复印刷50次。通过媒介对颜色的改变，达到一种独特效果。
“你心中的梦露是什么颜色？”
挪用，怎么还能这么理直气壮
#20th 80s-90s #艺术原创 #挪用主义
20世纪80年代出现了一个好玩的艺术现象：每张图片（尤指摄影作品）都是“抄”过来的，摄影艺术家们俨然成了‘抄袭者’。
一块“芝士”：挪用主义
有人说，图像可以复制，却复制不了原创人的激情；也有人说，挪用的不是作品内容，而是让取材来源和创作手法成为焦点。
“批判vs革新，你挺哪一派？”
飞呀 飞呀 飞翔是生活
#20th-21th #数字全球化 #边境 #难民
说到“飞”你能想到什么呢？鸟儿、飞行路线、跨国旅行。除此之外，艺术家们还给出了其他含义：数字化使世界日益全球化；边境、移民，难民问题依然存在。
一块“芝士”：现代艺术博物馆 vs 当代艺术品
一个代表：重隆栗田（日本，1972）
现代艺术博物馆里能不能有当代艺术品？MoMA现任馆长这样说：与其等上几十年，等一个时代的作品浮出水面，不如在当代艺术诞生不久就收藏起来。这是风险，更是催化。
Emoji (1998–1999) ©网络
如今，Emoji (e = picture, moji = character)这些小玩意已经从最初的176个发展到超过2600个，成为了最主要的全球性视觉语言。
“假笑脸考虑一下？”
抱一下，坚持看（滑）到最后的你
创作这事儿就是这样，这人用颜色表露心情，那人横着画完竖着画；这人只用线条和方块，那人给梦想勾勒外套；这人用棍子甩来甩去，那人把梦露印了50多次。
还有一些固有的定义，在创作里也变了味儿。
所以创作还真离不开主观，我猜他们那时候肯定嗨到不行，任凭你后人怎想怎评。
展览信息
时间：至2018年10月7日
地点：墨尔本NGV
票价：28澳币（NGV会员：23澳币；学生：24.5澳币）
文/张大陆@澳大利亚·墨尔本
